在中国山水画的创作方面，画家张伟明从来就本着一种执着与即定的思路，进行着不懈地探索。一些常见理论性的话题我己在其它文章里进行了阐述，这里以中国山水画艺术创作上的独到见解，和中国山水画解析的个人立场见识，与张伟明作了进一步的试问。

 

        华：虽然多次听您讲您对中国山水画相关的一些认知与设想，但如今我还是想就中国画的几个重要方面重新进行一次较确定的商讨。

 

         首先是作为一个画家的问题。我认为一个画家应该是一个名副其实的有思想的艺术家，他才会创作出有“意味的形式”，特别是一个中国山水画家，更是应该认识到这一点。因为中国画最讲究“气韵生动”“出神入化”“意境”等人文修养上所产生的高层境界。您怎样解释这个问题？

 

         张：“一般来说，作为一个把绘画定为终身职业的习画者，画作偶尔有几幅也能够达到出神入化的境界。但是，要使其作品多数皆有此感，那几乎是不可能的。除非画者从自身的修为上达到无为境界，画作必然非同凡响。那么其画境又何愁不是笔笔出神入化呢？”

 

       华；承接传统包括哪些重要内容，而应拼弃哪些内容？

 

       张：首先我认为对于传统的继承不是目的，目的在于借鉴。是为了在传统的基础上继续创新。以此而言，对于中国历代绘画大师的成熟方面的技巧与修为都是需要深入研究的。至于那些阶段性的尝试，有些已经被时间证明是走弯路，是没有必要进行重复的，对此我再补充一点，那种企图抛弃古人好的传统另创一路的人，其实在某种程度上来说，是在重走古人从头开始的老路，从零开始摸索确实太傻，而我们学习古人是为了站在古人肩上。

 

       华：怎么样才能够做到在中国山水画的创作中即继承传统，又没有模仿的痕迹。也就是说怎样才能师古而不泥古。

 

       张：这个问题说起来很简单，做起来却很难。一般有两种方式，一是先临摹古人作品，达到酷似，再默画古人作品，称为“背临”，进而通过写生与大自然对照求变。二是大量的看古人作品，广泛的读画论、诗文等，重点选几个大师的作品，反来复去的“读”画，吃透它。试临之，不求皮毛似，求神似，求质同。同时结合写生自然，自然得变化。我倾向于后者。

 

       华：谈到笔墨，你用线较多，特别是中锋用笔，这是你的一个特点。但是，我看到现在很多人在应用积墨的方法创造自己的个性之作，怎么样才能够让积墨形成活的灵动之气？

 

        张：线是中国画的骨架。大尺寸的画作，单纯水墨很容易掌握。在纸上成为“墨猪”。小品类水墨多些倒无妨。其实，好的水墨画也要讲究骨法用笔。“没骨画”并非没有骨力，而是隐骨于墨中，墨中有了骨力，再积再染亦有层次与灵动，而不像乱涂乱抹瘫在纸上的烂墨，那样给人的感觉是灰、脏、乱。

 

         华：某一个网站有人评论您的画说，您是以仙气取胜。我的朋友们并不完全认同。他们认为，你虽然对中国人文哲学进行了长期的学习与研究，但是你的画还是以纯绘画状态，或说站在纯绘画立场上的。绘画技法，功力也同样在画中完全的展示出来。你是怎么看这种说法的？

 

         张：他们只是为了与许多其它类型、风格的作品做比较，列举了一张我的有这方面感觉的画。一个画者不可能一生或在一个阶段只画一种画。当今画坛乃至古代有成者并不是“一招货仙，吃遍天下”。我个人而言是坚决反对，仅凭一张画的复制数量搞个展，或一张画画一辈子的。

 

         华：另外，在近年杨柳青出版社出版的您个人的大型画集中，虽然有的作品表现了南方山水秀丽之润泽，还有在某些通版大幅作品当中，将泰山描绘成壮美的巨幛，但还是看得出在较多的大画中，您着重表现了那令人产生无限遐想的辽阔天空的云彩，画中天与云表现达到了出人意了的到位，有人说你在这些作品中追寻“出世”的一种意识形态之气，并提醒你实际些，当今还是走向市场向钱看的人多。这种好心的劝说你接受吗？

 

          张：无所谓。市场现状虽说是多元的，但充其量，市场只是赏画者与获取画家作品的一个平台。赏画者里，各层面的人士皆有，并非都是市井中人。在这些人中大多疲于生存的竞争。市场有情亦无情，无论你是亿万富翁，还是小商小贩，一不小心在竞争中就有可能陪个净光。大有大失，小有小失的情况时有发生。正是由于这种紧张的竞业状态，人们在精神上需要艺术品，尤其是需要品赏一下市井气较淡漠的艺术品，可以得到心境的放松，清逸之下还可提高艺术素质与修养。在日本大城市过于紧张地工作一段时间，会有人去禅寺待一两天。要是在家中挂一幅能另人产生富有禅意又贴近大自然的“出世”之作不是很好吗？

 

          华：中国画中的人文精神和哲学理念，的确有这种感染力。我记得一位写散文的朋友毕玉堂先生这样评论您画中的“出世”之道：“初读张伟明先生的国画已觉大有裨意，欣赏他的作品，能使人滤浮躁为沉稳，化纷繁为静寂，启暗牖为明轩，医短视为放眼万里。它既能送肠断歧路之人一个柳暗花明的世界，又能赠春风得意之君一席清风拂汗更醒神的警语，这对有所作为又有所不同的现代中国人来说是尤为重要的。”

 

           画册出版之后，人们确实由对你的山水画中惯于描绘山和水为重点，而将视点转向了天空与云彩。无论是大湿地与小泰山之天盖阔地的对比，还是日出泰山巅光出云间近乎形成了放射状态的大自然风韵，另外还有轻逸浮动之波澜尽显在连绵山川的一角，都给人的感觉与你以前的山水画有所不同，为什么想到这样画，是以山水画的语言来讲述云天或宇宙的故事吗？

 

           张：这里有三个原因，一是中国传统山水画，尤其是古代山水画较少处理天空的云及天空，大概是古画论中常讲，要想画出山之高，令云锁其腰。画者就多去处理山间之云了。二是，我住在泰山之麓，常登泰山，放眼望去，山下边的空气烟尘混浊，山顶上天空碧蓝，白云朵朵，一片清凉世界。对住在现代污染空气中的我怎能不心动地去画。三是，我当过飞行员有空中生活经历。

 

           华：提起中国绘画与中国人文哲学的关系，你总是有话要说。在许多常言之外，想听到有关你自己的见第，再谈一下你对中国国学的东方论说有何见解？这个话题太大，就一个具体方面来说也可以。比如关系到中国画方面的内容。

 

           张：这个问题确实很大，是整个中国画的根本问题。我只能说一个典型的支点。就是中国画的“写意”二字，这二个字并非只是就针对工笔画而言的。其实“写意”也包括“工笔画”。这个“写意”是中国画的轴心，要比人们争论的“笔墨”二字重要的多。画中国画首先遇到的是造型问题，也就是世界各画种都存在的基础问题。中国画叫“应物象形”或说是“以形写神”的形，是写形、写真。进一步就是“写神”了，这是“写形”的熟练与延伸。那么何为“写意”呢？就是在“写神”的基础上才是“写意”。“写形”与“写神”是写景物的形神。“写意”既是写对象又是写画者自己。如果画者自身对中国传统文化修为是个白丁，那又有什么可写呢？这样来看中国传统文化方方面面的积累都会在一个学者画家笔墨中流露出来。这就是中国人文哲学与中国画的不可分割的关系。正如郑板桥画竹，胸有成竹。眼中之竹非自然之竹。胸中之竹又非眼中之竹，笔下之竹还非胸中之竹。最终画成的竹子，这就是中国人文哲学修为在中国画作品中的无形体现。一个中国画画家修为有多深是决定他最终绘画成就的筹码有多大。这样来看“写意”就有的写了。

 

          从本质上看“写意”就是，六法中提到“以形写神”之后的“以神写神”阶段。这时画者再不为造型本身所束缚，已过了 “以形写神”的较初级的阶段。而是从对象的神气融入画者自身的文化素质与修为，信手挥笔落墨，表露出对象与画者、自然与人文的有感意韵之图画。这时的“形”会自然在其中，并且是活生生的“形”，是富有灵气与意味的“形”。古代画家梁楷的《李白行吟图》、《醉翁图》、《六祖砍竹图》可说是这方面的经典之笔墨。正所谓形而下者，“以形写神”，形而上者“以神写神”，又是建立在“以形写神”以及画者文化素养与修为基础之上的，是真正的“写意”。并非当今一些浅薄之士的大笔一挥制造出的所谓大小“写意”。

 

          华：每次的中国画画展都是一次绘画的对比与评判。对比中，我感到绘画是作者在画自己的文学深度。文化度数不深的，仍然在笔熟之后表露浅薄，再刻苦也只能画成“匠气”一路，也就是失去了“气韵生动”的感觉，没有中国传统绘画所强调的“气”“神”等。而中国绘画四品，能品、妙品、神品、逸品都难看到。这么多年看到你在不停地学习大量的相关知识，这对你的绘画影响是不言而喻的。你曾说过，画之学识不是刻意表现的，是自然流露的。在增强文化素质与修养方面，对一个绘画者来讲是难以正确持久做到的。你是怎样坚持的？除了认真学怎样做才会悟出？

 

         张：也不完全是这样，其实现在能品还是很多的，甚至说特别多。由于现代绘画教学借助西画的影响解决造型能力问题，达到能全面掌握绘画技巧还是很容易的。妙品也有，但都有体现在熟能生巧上。神品、逸品是少了些，主要是现在人心浮气躁者多，沉心于学问，甘于寂寞者少，再加上市场诱惑的，学画没三天，甚至于一天没学，摸过笔来乱涂，找几个有钱的哥们拍卖会一炒，天价延生了。理论家收了好处大笔一挥，就写出了，有青藤笔意、宾虹之风……一堆赞誉之词。整个一个气死八怪，封杀石涛，吓傻金融学家。中国文化素质与中国画的关系就如同中国的中医与太极拳。中医医病实则泄，虚则补，实虚者先泄后补，虚实者先补后泄。无非是提高患者自身的免疫力，而通过患者自体战胜疾病。故而中医理论的秘中之秘就是：“身是大药”一切不同的用药汤、熏等等都是在调身这个大“药”。太极拳也是在调身。画者的文化修为也是在为画上层次的作品，在调画家本人这个身心 “大药”。使其更具文化底蕴。才能画出富有文采的画作来，而不是匠人之作。

 

          华：提一个或许过时的问题，在李小山的“中国山水画已经穷图末路”之后这些年里中国画家还在加劲努力，出现了现在这些好画、好画家层出不穷的大好局面。就此你怎么样看中国画的未来呢？

 

           张：李小山“穷图末路”之说只是个阶段性的现象。是因为改革开放前后，中国画被五花八门的西方艺术的大量涌入吓懵了，不知所措。慢慢地人们意识到越是民族的东西才是更具世界性的。包括中国人画油画，也是同理。现在越来越多的人开始意识到回归传统，从传统中走来的重要性，中国画的发展应该是非常可观的。从国内近二十年书画拍卖市场不断繁荣，以及近几年在国际上的几次顶级拍卖会上中国画的影响，不难看出，中国画的未来前景远大。

 

          华：中国画与西画不同之处在于，中国画是以人文意象的哲理而论的，比如中国绘画强调“师法自然”并把东方哲学中的“天人和一”与自然相谐和，等等融会其中。而西洋传统与主流绘画却是以描摹自然，人与自然是分开而论的，是形与现实物象的再现。所以说中国绘画更具想象和创意性，所追求的更具理想化，但就教学来说难度相对西方绘画高些。曾听你说，以后学中国画的人会少了，但现在来讲，你又认为学画的条件好了，现在的初学者不用走几十年的老路就可以利用现成的学习条件快速掌握绘画技法，但做个画匠容易，而作个艺术家难。你是怎么样看当前学画与教学这个问题的？

 

            张：教学有素描、速写、色彩、构图等等现代分类的学科，使学画更加系统化、科学化，并有大量的照片，甚至是电脑制作可借鉴，以及多媒体教学增加鉴赏水平。使人们省去了大量的时间来完成基本技能练习。我也曾为了缩短基础训练，一方面自修国画，一方面跑到院校去学油画专业。过后，又跑回来学习植物学、林业学、地质学、地貌学等与大自然有关的专业理论及图谱，对照传统山水的画山、画水、画树等等，去交*练习，大大加快了学画的基础练习。把画画成能品已不像过去古人那样多半生都耗在这个阶段，会省出更多的生命年华进入下一个阶段。关键是修养要跟上，甚至是修养要超过技能。所谓眼高手低不用怕，就怕眼不高。有诸多的便力，中国画会出现不同于古代条件的新的发展高潮。

 

           华：从现在的中国画市场情况看，有些可算做玩世不恭的艺术作品和类属于痞子文化的作品照样以著名作家的面貌出现在世面上，具说市场价格不菲。这样肯定会影响中国画界主流中一些严肃画家作品的出世。有些状态不是画家人为可以达到的。“画家只有画好画”一说是正确的，但不也是不完全正确的，那样的画家画的再好不为人所知又有什么用呢？

 

            张：市场是一把双刃剑，既可成就画家，也可毁掉画家。应该说市场是藏家与炒家以及经纪人的事，画家应只管画好画。至于市场任它去发展，痞子文化以及粗制滥造的作品，是让藏家交学费、长学问、买教训的事情。搞收藏只有钱不行，一定要重重地摔几脚，才会下功夫提高自己的鉴赏能力。至于画家本人直接参与炒作市场之日起，艺术进程就基本判死刑了。虽说也有例外的已是本来就没有艺术基本水准的，不炒怎么办。二是古往今来少有的奇才。

 

           华：话题回到中国山水画艺术上来。现在画家有许多人注意市场和自己作品的行情多了，已经没有耐心探讨关于中国山水画方面的专门话题了，还有的人把画家和理论家分开来。我认为中国画画家与西方绘画不同的是中国画更注重人文修养，所以一个画家也可以在理论方面有所建树才对。理论认识深刻，画的格调才会高。学习绘画理论是每一个中国山水画家睿智的选择。就山水画家而言，其修养被偏面的局限在对于“诗、、书、画、印”的学习上是太有些浅视的。现代的中国画家还得学习更多的文化内容。

 

           张：现在书画市场发展很快很活跃，但纯以古代那种模式划分画家：即，宫廷画家、文人画家、民间画家已经不适应了。允许必须存在其它类型的画家，如美术教育家，同时又是画家，这类画家大多分部在各院校；画院画家，在官办画院（也不排除水平极差，通过人事关系挤入的）；民办画院画家；市场画家；专画各种档次市场行画的（重复题材速成式画作）；*临摹他人作品画伪作的画家；另外还有盗用他人现成构图与风格绘画的，侵犯他人著作权的画家等等。这只能说队伍更大了，有高研究的，也有走市场的，更有投机取巧的，还有兼而有之的。从另一角度来看更利于中国画向纵横发展。